Qu’est-ce que l’Art Moderne ?
Vous souhaitez visiter le Musée National d’Art Moderne (MNAM) au centre de Georges Pompidou de Paris ? Acquérir une œuvre d’art moderne ? Approfondir vos notions dans ce domaine ?
Nous sommes passionnés par l’art visuel et décoratif et savons exactement comment vous aider.
L’art moderne représente à la fois une période de notre histoire de l’art, mais aussi un mouvement pictural en totale opposition avec les règles de l’Académie des Beaux-Arts.
En effet, à travers leurs compositions, de nombreuses œuvres d’artistes célèbres ont dépeint une société dans laquelle la vie quotidienne est de plus en plus difficile. En peinture, cela se refléta par des tableaux débordants de créativité, de caractères, de couleurs, d’émotions, et l’expérimentation de nouvelles techniques étonnantes et matières.
Dans cet article, vous découvrirez :
- En quoi l’art moderne est si particulier
- Ses origines, son histoire
- Les artistes et mouvements liés à cet art
Les subtilités de l’art moderne n’auront désormais plus aucun secret pour vous. Vous saurez exactement comment décrypter une œuvre d’art moderne lorsque vous visiterez un musée !
Découvrons tout cela ensemble dès maintenant.
L’art moderne : Tout ce qu’il faut savoir
Avant d’entrer dans le cœur du sujet et de voir quelle peinture sur toile moderne vous pourriez vous offrir, il est important de bien poser les bases pour comprendre de quoi nous allons parler.
Commençons donc ensemble par découvrir tout ce qu’il faut savoir sur l’art moderne en répondant à toutes les questions les plus fréquemment posées à ce sujet.
Art moderne : définition simple
L’art moderne est la réponse du monde créatif aux pratiques et perspectives rationalistes dues aux avancées technologiques de l’ère industrielle.
Les artistes se sont efforcés de représenter leur expérience de la vie moderne de manière suffisamment innovante.
Le terme d’art moderne s’applique à un grand nombre de genres artistiques, comme la sculpture, la photographie, l’architecture ou les arts décoratifs.
Ce courant pictural couvre plus d’un siècle, et se caractérise par la volonté de l’artiste à représenter un sujet tel qu’il existe dans le monde, selon sa perspective unique. Il rejette ainsi, les styles et valeurs acceptés ou traditionnels.
Origines de l’Art Moderne
La naissance du modernisme et de l’art moderne remonte à la révolution industrielle. Cette période de changements rapides dans les domaines de la fabrication, du transport et de la technologie a commencé vers le milieu du XVIIIᵉ siècle et s’est poursuivie tout au long du XIXᵉ siècle, affectant profondément les conditions de vie sociales, économiques et culturelles en Europe occidentale, en Amérique du Nord et finalement dans le monde.
De nouveaux moyens de transport, tels que le chemin de fer, la machine à vapeur et le métro, ont changé la façon dont les gens vivaient, travaillaient et voyageaient, élargissant leur vision du monde et leur accès à de nouvelles idées.
Avec la prospérité des centres urbains, les travailleurs ont afflué vers les villes pour des emplois industriels et les populations urbaines ont explosé.
Avant le XIXᵉ siècle, les artistes étaient le plus souvent chargés de réaliser des œuvres d’art par de riches mécènes ou des institutions comme l’église. La plupart de ces créations représentaient des scènes religieuses ou mythologiques qui racontaient des histoires destinées à instruire le spectateur.
Au cours du XIXe siècle, un certain nombre d’artistes ont commencé à faire de l’art basé sur leurs propres expériences personnelles et sur des sujets qu’ils avaient choisis.
Avec la publication de l’ouvrage du psychologue Sigmund Freud, L’Interprétation des rêves (1899), et la popularisation de l’idée d’un subconscient, de nombreux artistes ont commencé à explorer les rêves, le symbolisme et l’iconographie personnelle en tant que moyens de représentation de leurs expériences subjectives. Remettant en question la notion d’art selon laquelle, on doit représenter le monde de manière réaliste.
Certains artistes ont expérimenté l’utilisation expressive de la couleur, de matériaux non traditionnels, de nouvelles techniques et de nouveaux médias.
Parmi ces nouveaux médias, on trouve la photographie, dont l’invention en 1839 a offert des possibilités radicales pour représenter et interpréter le monde. Sur le plan conceptuel, elle était une menace sérieuse pour les modes artistiques classiques de représentation d’un sujet, car ni la sculpture ni la peinture ne pouvaient capturer le même degré de détail que la photo.
Les artistes ont dû trouver de nouveaux modes d’expression, ce qui a conduit à de nouveaux paradigmes dans l’art.
Fin de l’art moderne
La montée de la culture pop et l’essor des défis anti-autoritaires politico-sociaux artistiques dans les années 1960 ont mis fin au modernisme.
L’année 1968, connue pour ses manifestations au sein des grandes capitales européennes furent plus que déterminantes avec les meurtres de Bobby Kennedy et de Martin Luther King.
Alors que le modernisme commençait à paraître de plus en plus démodé, il a fait place à ce que l’on appelle l’art contemporain. Ce nouvel art pousse l’artiste à davantage de communication avec son public, en mettant son style en avant, ouvrant la porte aux critiques d’art.
Mouvements de l’art moderne et artistes
Nous y voyons désormais plus clair sur les origines de l’art moderne. Il est maintenant temps de découvrir les différents artistes qui ont marqués cette ère à travers le monde sous différents courants artistiques.
Notre objectif ici, est de vous faire gagner du temps en se concentrant sur les principales œuvres d’art et artistes des temps modernes. Voyons tout cela en détail.
1 – L’impressionnisme (1870-80)
L’impressionnisme grâce à des jeux de lumière et des couleurs vives, essaye de représenter les moments de la vie de tous les jours. On le voit d’ailleurs clairement à travers les peintures de paysages de Claude Monet (1840-1926).
Ce courant artistique ne fut pas très populaire auprès du grand public, alors qu’au contraire, il fut encensé par les artistes du monde de l’art.
Il finira par devenir le mouvement de peinture le plus connu au monde.
La principale contribution de l’impressionnisme à l’art moderne a été de légitimer l’utilisation de couleurs non naturelles, ouvrant ainsi la voie à l’art abstrait du XXᵉ siècle.
2 – Le fauvisme (1905-07)
Le fauvisme est un style de peinture qui a fleuri en France au tournant du XXᵉ siècle. Les artistes fauves utilisaient des couleurs pures et brillantes, appliquées de manière agressive directement à partir des tubes de peinture, pour créer une sensation d’explosion sur leurs toiles.
Les Fauves peignaient directement à partir de la nature, comme les impressionnistes l’avaient fait avant eux, mais les œuvres fauves étaient investies d’une forte réaction expressive aux sujets représentés. Exposées officiellement pour la première fois à Paris en 1905, les peintures fauves choquent les visiteurs du Salon d’Automne de la société des beaux-arts ; l’un de ces visiteurs, Louis Vauxcelles, qui, en raison de la violence de leurs créations, surnomma ces peintres “fauves”.
Le chef de file du groupe est Henri Matisse (1869-1954), il devient le précurseur du style fauve après avoir expérimenté les différentes approches post-impressionnistes de Paul Gauguin (1848-1903), Vincent van Gogh (1853-90) et Georges Seurat (1859-91).
Les études de Matisse l’ont conduit à rejeter les représentations traditionnelles de l’espace tridimensionnel et à rechercher à la place un nouvel espace pictural défini par le mouvement des couleurs.
Il expose sa célèbre Femme au chapeau (1905). Dans ce portrait, des touches vives de couleurs (bleus, verts et rouges) forment une vision énergique et expressive de la femme. L’application de la peinture brute, qui laisse des zones de toile brute exposées, est épouvantable pour les spectateurs de l’époque.
Les autres grands fauvistes sont André Derain (1880-1954), et Maurice de Vlaminck (1876-1958). Ils partagent l’intérêt des compositions de Matisse pour la fonction expressive de la couleur. Les peintures fauves de Derain traduisent chaque ton d’un paysage en couleur pure, qu’il applique par de courts et puissants coups de pinceau. Les tourbillons de couleurs intenses et agités des œuvres de Vlaminck sont dus à la puissance expressive de Van Gogh.
Pour la plupart de ces artistes, le fauvisme était une étape de transition et d’apprentissage. En 1908, un regain d’intérêt pour la vision de Paul Cézanne de l’ordre et de la structure de la nature avait conduit beaucoup d’entre eux à rejeter l’émotivité turbulente du fauvisme au profit de la logique du cubisme. Seul Matisse a poursuivi la voie qu’il avait tracé, en réalisant un équilibre sophistiqué entre ses propres émotions et le monde qu’il peignait.
3 – Le cubisme (1908-14)
Le cubisme est un courant artistique avant-gardiste du début du XXᵉ siècle.
Lancé par le très célèbre Pablo Picasso (1881-1973), mais aussi par le moins connu mais néanmoins très important George Braque (1982-1963).
Ce mouvement a touché majoritairement la peinture et la sculpture européenne, mais a aussi influencé des mouvements liés à la musique et la littérature.
En peinture, le cubiste va engendrer une volonté de produire des œuvres avec des formes plus simples et plus marquées. Ce qui donnera par exemple, naissance en 1907 aux Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso. Une œuvre au style artistique pré-cubiste et primitiviste.
4 – Le futurisme (1909-14)
Fondé par Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), l’art futuriste a glorifié la vitesse, la technologie, l’automobile, l’avion et les réalisations scientifiques.
Bien que très influent, il a beaucoup emprunté au néo-impressionnisme et au divisionnisme italien, ainsi qu’au cubisme, notamment dans ses formes fragmentées et ses multiples points de vue.
La principale influence artistique du futurisme sur l’art moderne a été d’introduire du mouvement dans la toile, et de lier la beauté aux progrès scientifiques.
5 – L’expressionnisme (à partir de 1905)
L’expressionnisme est un mouvement moderniste qui a émergé en l’Allemagne au début du XXᵉ siècle. Ce courant artistique pousse les artistes à déformer la réalité de leurs sujets afin d’exprimer leurs propres émotions, sentiments et idées.
La peinture expressionniste se caractérise par une exagération des traits, des gestes et des expressions, ainsi que par des distorsions formelles et une insistance sur les attributs physiques d’un support spécifique qui provoquent une réponse émotionnelle.
En repoussant des siècles de tradition artistique, les expressionnistes ont changé tout le paysage de l’art moderne et ont inspiré de nombreux artistes du XXIᵉ siècle à laisser leurs émotions prendre les rênes.
6 – Le dadaïsme (1916-24)
Appelé aussi le Dada, ce mouvement pictural est à la fois nihiliste et anti-art, il émergea au début du XXᵉ siècle.
Antérieur au surréalisme, ses racines sont multiples, il apparaitra à la fois à Zürich, New York, Berlin, Cologne, Hanovre, et à Paris.
Développé en réponse aux horreurs de la première guerre mondiale, le mouvement dadaïste a rejeté la raison, la rationalité et l’ordre de la société capitaliste émergente, favorisant plutôt le chaos, le non-sens et le sentiment anti-bourgeois.
Le dadaïsme est souvent caractérisé par l’humour, la fantaisie et tend vers l’absurde. Cette attitude bienveillante a été utilisée comme une critique satirique des systèmes sociétaux et politiques dominants, auxquels l’assaut de la Première Guerre mondiale a été largement attribué.
7 – Le surréalisme, à partir de 1924
Fondé à Paris par l’écrivain André Breton (1896-1966), le surréalisme a été “le” mouvement artistique à la mode de l’entre-deux-guerres, bien que ce style soit toujours présent aujourd’hui.
Composé d’ailes abstraites et figuratives, il est issu du mouvement nihiliste dadaïste, dont la plupart des membres se sont métamorphosés en surréalistes, mais contrairement au dadaïsme, il n’était ni anti-art ni anti-politique.
Les peintres surréalistes utilisaient diverses méthodes pour peindre, dont les rêves, les hallucinations, la génération automatique ou aléatoire d’images. Ils contournaient ainsi, les processus de pensée rationnelle dans la création d’œuvres d’art.
8 – L’expressionnisme abstrait (1948-60)
Un large style de peintures abstraites, développées à New York juste après la Seconde Guerre mondiale.
Il se composait de deux styles principaux : une forme de peinture gestuelle très animée, popularisée par Jackson Pollock (1912-56), et un style beaucoup plus passif, orienté vers l’humeur, connu sous le nom de peinture “Colour Field”, défendu par Mark Rothko (1903-70).
La principale contribution de l’expressionnisme abstrait à l’art moderne a été de populariser l’abstraction. Dans le cas de Pollock, en inventant un nouveau style appelé “action painting“, en démontrant l’impact émotionnel de grandes surfaces de couleur.
9 – Le pop Art (fin des années 1950-60)
Un style d’art dont les images reflète la culture populaire et le consumérisme de masse de l’Amérique des années 1960.
Apparu d’abord à New York et à Londres à la fin des années 1950, il est devenu le style avant-garde dominant jusqu’à la fin des années 1960.
En utilisant des images audacieuses, faciles à reconnaître et des couleurs vives, des artistes pop art comme Andy Warhol (1928-87) ont créé une iconographie basée sur des photos de célébrités populaires comme des stars de cinéma, des publicités, des affiches, des emballages de produits de consommation et des bandes dessinées. Il a permis de réduire le fossé entre les arts commerciaux et les beaux-arts.
Choisissez une œuvre d’art moderne en toute connaissance !
Vous l’avez compris, l’art moderne se décline par une multitude de mouvements artistiques. Ces œuvres véhiculent, un message puissant auquel bon nombre d’entre nous peuvent s’identifier.
Avec toutes ces connaissances, vous êtes désormais un expert(e), et lorsque vous vous rendrez à une exposition d’art, il vous sera très simple de ressentir avec intensité chaque mouvement de pinceaux !
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